芭蕾舞基础：认识古典芭蕾舞

事实上，古典芭蕾尚有浪漫派与古典派的区分。前者专指十九世纪的舞剧，如《天鹅湖》。后者为十七、十八世纪的舞剧《吉赛尔》。两者较明显的差别在于舞者所穿的舞衣之不同，古典派的舞衣为纱质的短裙，称为classical tutu，舞鞋质地较软;而浪漫派的舞裙长及膝与踝之间，称为romantic tutu，舞鞋为硬式，便于舞者跐立。

除此之外，古典芭蕾依动作又可分为快舞与慢舞。快舞孕育于意大利，特色是跳跃与旋转，专指男舞者与女舞者随著迅速的音乐踊舞的舞蹈，所有活泼迅速而华丽的舞蹈均属之。慢舞孕育于法国，是法国舞蹈的特征，舞者以缓慢的动作，或以单脚支立平衡身体，构成优雅曲线之舞步与舞姿等均称为慢舞，这种舞蹈充满了纤细的美感。

在古典芭蕾舞剧中，通常以慢舞来表现男女的情爱场面，如天鹅湖中的第二幕公主与王子的双人慢舞。慢舞基本上是属于女性的舞蹈，而男舞者只是支扶女舞者的陪衬而已，对于女舞者来说，无非是一个呈现其舞艺与优美曲线的大好机会，而此时表现身体的平衡更显得格外重要。

如今快舞与慢舞虽以交互使用，但仍可视其强调的程度，来分辨意大利派的华丽与法国的浪漫气质。

传统的芭蕾舞技巧是一个严格的体系。最基本的审美特征是对外开、伸展、绷直的追求，包括脚的五种基本位置，三种基本舞姿，腿的伸展、射击、打开、屈伸、抬腿、踢腿、和划圆圈等动作，还有各种舞姿的跳跃、旋转和转身，各种舞步和连接动作。将其按特定的结构手法编排、组合，就能创造出富有感染力的舞蹈艺术形象。

在从整体看待古典芭蕾的时候，着重突出一下其中的浪漫主义芭蕾。

18、19世纪之交，在欧洲和北美兴起一股新的文艺思潮，就是浪漫主义运动，芭蕾是当时浪漫主义的一部分。浪漫主义的芭蕾舞剧变得更富有诗意，能够更直接、更深刻地调动观众的感情。这种诗意更浓的舞蹈风格之所以能够蓬勃地发展，很大程度上归功于舞蹈技术，特别是取决于女演员能立起脚尖了。

据舞蹈史专家们考证，在芭蕾，女演员穿脚尖鞋最早产生于1822到1825年。意大利的演员玛丽·塔里奥尼是第一个运用脚尖舞闻名世界的芭蕾大师。玛丽·塔里奥尼的从事芭蕾舞的父亲，根据她的体形和能力，为她编排了一个舞剧，这个舞剧我们芭蕾舞团曾经上演过，叫《仙女》，这是两幕的一个舞剧。塔里奥尼在这个舞剧中，运用了脚尖舞成功地塑造了好像飞起来的仙女的形象。后来的人争相效仿，脚尖舞从此成为女芭蕾舞演员表演不可缺少的一部分。

同时被称誉的还有塔里奥尼的舞裙。这是条充满浪漫主义风格的舞裙，外边是用绸子，里面是用很多层薄纱做成的，它的样子像一口吊钟。这种质地使得她跳起舞来显得非常的柔软，特别飘逸，整个服装的上身是要显露她的细腰，紧身的胸衣露出了她的脖子，袖子短而宽，露出了她的两臂，裙子长过膝盖，但要露小腿。除了胸前佩戴着一朵小花外，衣服上没有过多的装饰，后背装点着用糠的白纱做的两个小翅膀。这些舞蹈服沿用至今，它象征着一个飞翔的仙女，成为浪漫主义芭蕾的象征。欧洲人把这类作品，通通称为mite芭蕾，就是白色的芭蕾，把它看作一种特殊风格的舞蹈。

在同一个时期，另一个代表作就是《吉赛尔》。很多人以为《吉赛尔》是吉普赛的故事。实际上它是18世纪浪漫主义时期的一部非常有名的代表作。在西欧芭蕾它起了非常重要的作用。该剧的第一幕表现的是吉赛尔发疯的过程，第二幕是表现维丽斯女鬼的舞蹈，分别是当时的情节芭蕾和交响芭蕾的交融。《吉赛尔》中有一个动作，手交叉在胸前，据洛普霍夫分析，这个舞姿来自古老的异教葬礼。当时，人们把死者的双手交叉地安排在胸前，于是舞蹈家们就把这样的一个姿势，很容易地安排在一个幽灵的身上了。所以，在后来的芭蕾哑剧动作里面，这就表示一个死者的样子。

芭蕾舞剧《吉赛尔》代表着浪漫主立芭蕾鼎盛时期的成就。吉赛尔这个角色被作为考验女舞蹈家演技是否成熟的试金石，要演好这个角色，必须有非常高的表演水平。在第一幕中吉赛尔是一个纯情的农村少女，乔装打扮的伯爵阿尔伯特到农村来狞猎，把她迷恋住了，她非常爱阿尔伯特，但是当她得知受骗之后，她发疯而死。在第二幕里，吉赛尔仍然怀念着阿尔伯特，这时的她是一个柔情缠绵、不忘旧情的冤魂。这样塔里奥尼和扮演吉赛尔的格里奇以其高超的演技，成为了当时芭蕾的真正女皇。这两部舞剧都是18世纪的代表作。

俄罗斯芭蕾19世纪下半叶欧洲浪漫主义芭蕾走向衰落，复兴芭蕾的使命历史地落在俄国肩上。从40年代起，外国舞蹈家们频繁访俄。塔利奥尼父女、佩罗、圣·莱昂等人的表演和编导活动，特别是布农维尔的学生约翰逊（在圣彼德堡）和布拉斯（在莫斯科）的教学活动，向俄国舞蹈界传授了法兰西、意大利两大舞派的精华，并逐渐形成了新的学派——俄罗斯舞派。在剧目建设上，玛蒂帕和伊凡诺夫起了决定性的作用。柴可夫斯基通过《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》实现了舞剧音乐的革新，使音乐成为舞剧中塑造形象、叙述事件的基础，启发和丰富了舞剧编导的舞蹈交响化的思想。《天鹅湖》第二幕达到了舞蹈诗的高峰，被奉为交响化舞蹈的范例。以后又有格拉祖诺夫写出的《雷蒙达》（1898）、《四季》（1900），这些作品在继承浪漫主义芭蕾传统的同时体现了俄国现实主义传统。20世纪初，俄国芭蕾已在世界芭蕾舞坛中占据主导地位，拥有自己的保留剧目，表演风格和教学体系，也涌现了一批编导和表演人才。此后，一批俄国芭蕾舞界的年轻人要求革新、探索新的表演手段和发展道路。戈尔斯基和福金就是他们的带头人。福金的革新思想不可能在帝国剧院内实现，他的主要作品都是在国外为佳吉列夫芭蕾团排练上演的。佳吉列夫从1909年起连续3年组织俄罗斯演出季，并于1913年成立以蒙特卡罗为基地的永久性剧团——“佳吉列夫俄罗斯芭蕾团”，在欧美各地巡回演出，影响巨大，把由俄国保存的古典传统剧目送回欧洲，促成欧洲芭蕾的复兴。该团解散后，它的成员流散欧美各国，利法尔在法国，德瓦卢娃在英国，巴兰钦和福金在美国，对各国芭蕾复兴或创建做出了重要贡献。法国芭蕾舞(当代芭蕾)1929年末，利法尔成了巴黎歌剧院芭蕾舞团的常任舞蹈编导和主要舞蹈演员，一直到1958年离开，实际上进行了一次改革，例如废除了赞助人可以在芭蕾演出之前到后台去与舞蹈家们闲聊有一个世纪的古老权利。还有每周举行一次开幕式。1932年重演《吉赛尔》时，利法尔饰演阿尔伯特，他是一个才华横溢的人。法国两大编导家，罗朗·佩蒂1965年根据雅勒的音乐编导了《巴黎圣母院》，获得了辉煌的成功。莫里瑟·贝雅尔1970年编导的《火鸟》是一个最别致的作品。巴黎歌剧院芭蕾舞团的保留剧目还有《吉赛尔》、《葛蓓莉娅》、《西尔维娅》等。英国芭蕾主要归功于三个伟大女性的毕生经营：在皇家剧院担任多年首席女芭蕾舞蹈家的阿德莉娜·热奈夫人；妮娜特·德·瓦卢娃夫人的不朽功业是皇家芭蕾舞团；玛莉·兰伯特夫人，是以她的名字命名的芭蕾舞团的创始人。此外还有节日芭蕾舞团、苏格兰芭蕾舞团。美国没有国家芭蕾舞团，巴兰钦与林肯·柯斯坦在1933年一次会见，应邀主办美国舞蹈学校。1948年转化为纽约市芭蕾舞团，巴兰钦任艺术指导和主要编舞家，副艺术顾问是杰罗姆·罗宾斯。已经形成了一种典型的美国舞蹈风格。另一重要芭蕾舞团是美国芭蕾剧院，1940年开始活动。先后担任编导的有福金、马辛、安东尼·都铎等。还有乔弗里芭蕾舞团，阿瑟·米切尔的哈莱姆舞蹈剧院，是第一个黑人古典芭蕾舞团。丹麦皇家芭蕾舞团是丹麦民族传统的优秀继承者，布农维尔一百年前创作的舞剧，仍然在哥本哈根以纯正的风格进行演出。（实际上是旧式法国风格）在丹麦芭蕾中，传统意识一向是非常强烈的。1932年哈拉尔德·兰德尔被任命为皇家剧院芭蕾指导，一直到1952年，他为法国、英国重排的《练习曲》，是对芭蕾舞技巧的一次辉煌的展览。20世纪初有影响的俄国编导有戈尔斯基、普尼和福金。安娜·芭甫洛娃理想的体现了福金的构思，1905年有《天鹅之死》。在俄国，十月革命后，高尔斯基坚持戏剧的表现性，使它的舞蹈演员们采取史坦尼斯拉夫斯基的方式生活于角色之中，原本产生于宫廷的芭蕾舞并没灭亡。1927年在莫斯科演出了《红**花》，是俄国第一部英雄主义的现代题材的舞剧，标志着古典学派的胜利，指出了追随的准绳，古典芭蕾博得了新的声誉。谢苗诺娃和乌兰诺娃首次登台，新创作的舞剧注重戏剧结构，更多地运用民间舞蹈来丰富舞蹈编导的语汇。俄国芭蕾开始了复兴。从1581年法国演出《皇后的喜剧芭蕾》至今四百多年，芭蕾舞已遍及全世界，被公认为人类文化遗产的重要部分，成为世界性的艺术，五大洲的众多国家都建立了自己的专业的芭蕾舞学校和芭蕾舞演出团体。

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