求高人回答 中国山水画和中国古典园林的不同之处

中国园林与中国山水画被誉为“姊妹艺术”。从中国古典园林的发展来看，唐、宋以来，不少文人画家将绘画所描写的意境融贯于园林的布局与造景之中，特别是明、清两代，一些擅长山水画的文人画家成为了著名的园林设计者（如嘉定南翔占漪园为著名画家李流芳设计），而一些著名的园林设计者（如明代著有我国古代影响最大的一部园林艺术著作《园冶》的计成），也都擅长山水画。于是，诗情画意逐渐成为唐宋以来造园的主导思想，在这种主导思想的影响下，逐步形成了具有中国独特风格的山水画式的园林艺术。可见，园林与山水画关系之密切。下面我将从它们的起源及发展、特点等几个方面来探讨它们之间的关系。

1 起源及发展

1.1 中国古典园林

中国古典园林历史悠久，文化含量丰富，个性特征鲜明，而又多采多姿，极具艺术魅力，为世界三大园林体系之最。在中国古代各建筑类型中它可算得上是艺术的极品。在近五千年的历史长河里，留下了它深深的履痕，也为世界文化遗产宝库增添了一颗璀灿夺目的东方文明之珠。

据有关典籍记载，我国造园应始于商周，其时称之为“囿”。汉起称“苑”。汉朝在秦朝的基础上把早期的游囿，发展到以园林为主的帝王苑囿行宫，除布置园景供皇帝游憩之外，还举行朝贺，处理朝政。画家参与造园，进一步发展了“秦汉典范”。北魏张伦府苑，吴郡顾辟疆的“辟疆园”，司马炎的“琼圃园”、 “灵芝园”，吴王在南京修建的宫苑“华林园”等，又是这一时期有代表性的园苑。隋朝结束了魏晋南北朝后期的战乱状态，社会经济一度繁荣，加上当朝皇帝的荒*奢糜，造园之风大兴。在城市与乡村日益隔离的情况下，那些身居繁华都市的封建帝王和朝野达官贵人，为了逍遥玩赏大自然山水景色，便就近仿效自然山水建造园苑，不出家门，却能享“主入山门绿，水隐湖中花”的乐趣。进入了盛唐时代，宫廷御苑设计也愈发精致，特别是由于石雕工艺已经娴熟，宫殿建筑雕栏玉砌，格外显得华丽。“禁殿苑”、“东都苑”、“神都苑”、“翠微宫”等等，都旖旎空前。宋朝元朝造园也都有一个兴盛时期，特别是在用石方面，有较大发展。宋徽宗在“丰亨豫大”的口号下大兴土木。这期间，大批文人、画家参与造园，进一步加强了写意山水园的创作意境。明、清是中国园林创作的高峰期。皇家园林创建以清代康熙、乾隆时期最为活跃。当时社会稳定、经济繁荣给建造大规模写意自然园林提供了有利条件，如“圆明园”、“避暑山庄”、“畅春园”等等。私家园林是以明代建造的江南园林为主要成就，如“沧浪亭”、“休园”、“拙政园”、“寄畅园”等等。同时在明末还产生了园林艺术创作的理论书籍《园冶》。它们在创作思想上，仍然沿袭唐宋时期的创作源泉，从审美观到园林意境的创造都是以“小中见大”、“须弥芥子”、“壶中天地”等为创造手法。自然观、写意、诗情画意成为创作的主导地位，园林中的建筑起了最重要的作用，成为造景的主要手段。园林从游赏到可游可居方面逐渐发展。大型园林不但摹仿自然山水，而且还集仿各地名胜于一园，形成园中有园、大园套小园的风格。自然风景以山、水地貌为基础，植被做装点。中国古典园林绝非简单地摹仿这些构景的要素，而是有意识地加以改造、调整、加工、提炼，从而表现一个精练概括浓缩的自然。它既有“静观”又有“动观”，从总体到局部包含着浓郁的诗情画意。这种空间组合形式多使用某些建筑如亭、榭等来配景，使风景与建筑巧妙地融糅到一起。优秀园林作品虽然处处有建筑，却处处洋溢着大自然的盎然生机。明、清时期正是因为园林有这一特点和创造手法的丰富而成为中国古典园林集大成时期。到了清末，造园理论探索停滞不前，加之社会由于外来侵略，西方文化的冲击，国民经济的崩溃等等原因，使园林创作由全盛到衰落。但中国园林的成就却达到了它历史的峰巅，其造园手法已被西方国家所推崇和摹仿，在西方国家掀起了一股“中国园林热”。中国园林艺术从东方到西方，成了被全世界所共认的园林之母，世界艺术之奇观。中国造园艺术，是以追求自然精神境界为最终和最高目的，从而达到“虽由人作，宛自天开”的目的。它深浸着中国文化的内蕴，是中国五千年文化史造就的艺术珍品，是一个民族内在精神品格的写照，是我们今天需要继承与发展的瑰丽事业。

1.2 中国山水画

中国山水画的历史，源远流长。山水画，是自然的精华，天地的秀气，所以阴阳、晦冥、晴雨、寒暑、朝昏、昼夜有无穷的妙趣。独立的山水画正式出现在魏晋南北朝之间。我们可以从东晋画家顾恺之在《论画》中云：“凡画，人最难，次山水，次狗马，……。”看出此时的山水画已经与人物画相提并论，并且已初步从人物画的陪衬中独立出来。据有关文献记载，顾恺之当时就曾画有《雪霁望五老峰图》、《庐山图》、《望五老峰图》等山水画。另外据史料载，当时的夏侯瞻有《吴山图》，戴逵有《吴溪山邑居图》，戴勃有《九州名山图》等山水画问世，可惜都已经失传，所以我们无法具体知道当时山水画的概貌。但从顾恺之的人物画《洛神赋图》卷和《女史箴图》卷（皆后人摹本）中的部分配景山水中可以领略到当时山水画的大致形貌，画山石只勾染而无皴擦，画水多用线，树干与叶子也用勾染法，多为扇叶子的银杏树。由此可见山水仍在部分的充当人物的衬景，以至于“人大于山、水不容泛”等不太协调的景象出现。有的画中甚至以夸张变形的手法处理树石，追求装饰趣味。但是，此时的山水画理论已经基本成熟，“或强调哲理性的显现，或重视抒情的表达”，而且讨论了空间的表现，奠定了中国山水画的理论基础。画论的出现，就证明山水画艺术即将迈上正确发展的轨道。这样一直到了隋唐时期，中国山水画才可以说是已经完全成熟了，并渐渐形成了独立的画种，同时也出现了展子虔、李思训、王维、张璪、等一大批专画山水的大师。这些大师将山水画逐渐推向高峰。展子虔的《游春图》，反映了隋代或初唐青绿山水画的面目，虽然还没有彻底摆脱装饰的味道，但写实能力已经有了极大的提高，很是能抒发作者的情怀，已能将山水画和人物画及花鸟画的抒情性提升到几乎相同的台阶。只是这时候的技法还比较古老、稚拙，没有具体而鲜明的个人风格。但是，不能否认山水画就是从这里开始正式走上了蓬勃发展的道路。

从它们的起源与发展来看，中国古典园林起源更为早些，而两个的历史都很悠久，在中国古典园林的起源与发展中也谈到了山水画的出现，造园家与文人、画家相结合，运用诗画传统表现手法，把诗画作品所描绘的意境情趣，引用到园景创作上，甚至直接用绘画作品为底稿，寓画意于景，寄山水为情，逐渐把我国造园艺术从自然山水园阶段，推进到写意山水园阶段。唐朝王维是当时倍受推崇的一位，他辞官隐居到蓝田县辋川，相地造园，园内山风溪流、堂前小桥亭台，都依照他所绘的画图布局筑建，如诗如画的园景，正表达出他那诗作与画作的风格。苏轼称赞说：“味摩诘之诗，诗中有画：观摩诘之画，画中有诗。”而他创作的园林艺术，也正是这样。倪瓒在我国绘画史上是有名的山水画大师，出于他手的造园艺术品自然不同凡响，清乾隆南巡到苏州时，看了也称赞不已。这样我们就寻找到了可以共同探讨的突破口了，中国古典园林在其发展过程中不断影响着中国山水画的发展，伴随着山水画的不断发展和成熟，也促进了中国古典园林的不断完善和成熟，这就是它们相辅相成的地方，也正是它们相互的关系探讨所在了。

2 特点

2.1 中国古典园林

中国古典园林的特点鲜明，个性化强，主要有四个：①本于自然、高于自然；②建筑美与自然美的融糅；③诗画的情趣；④意境的涵蕴。

2.2 中国山水画

中国古代山水画的主要特点①要求创造情景交融的意境。②空间处理：采用“以大观小，小中见大”的手法。③表现手段（笔墨技法）上的鲜明特色。

从上面的分析的它们的主要特点看来他们同时都是强调自然的意境蕴涵，这样它们又有了共同的地方所在，也得出一个结论：它们的发展总是相辅相成的。

3 系统分析它们的异同

3.1 相似点：

（1）艺术境界：情景交融的意境。两者追求艺术境界都是一致的。园林讲求“寓诗情画意于自然景物之中”，而山水画强调既要真实描绘自然景物，又要抒发作者的情感，可见，二者都要求创造情景交融的意境。

（2）含蓄美：两者都注重“含蓄美”。园林布局曲折自由，常用假山、小院、漏窗作屏障，适当阻隔游客视线，使人们几经曲折才能逐渐见到园内全貌，有柳暗花明又一村的感觉，这样游客感受到的意境更加含蓄深远。而好的山水画在表现手法上也要善于“隐藏”，注重“含蓄美”，如马远的《寒江独钓图》，画家只画了渔翁独钓的一叶扁舟，留出大量空白隐藏了大山大水，画面呈现一种空旷渺漠的境界，可谓“此处无声胜有声”。

（3）自然美：两者都强调自然美。园林以自然为美，植物配置不按直线排列，姿态自然天成，不受人工约束，而山水画表现树木花卉也讲究形态的潇洒自然，布局洒脱自然而忌讳刻板规则。

（4）虚实对比：两者都注重虚实对比。在园林中虚与实常表现为山为实，水面为虚；近景为实，远景为虚；景物为实，倒影为虚等许多景致的对比；而在山水画的画面上，景物是实，空白是虚；黑是实，白是虚；有色为实，无色为虚。

（5）借助文学艺术形式来增强自己的艺术感染力：在园林中，匾额、楹联点出周围风景的意境，而山水画中常题写诗词歌赋，增强画中意境的表达，可见两者都注重文学艺术形式来增强自己的艺术感染力。

（6）空间处理：小中见大。两者在空间处理上都采用“小中见大”的手法。园林常用假山、建筑、廊、墙来分隔空间，还采用借景的手法，在有限的范围内创造无限景色；同时，园林中的假山池塘，浓缩了大自然奇山秀水之美，漫步庭园树石之间，仿佛置身于山林之中，这与山水画“咫尺山水蕴千里江山”有着异曲同工之妙。

（7）与传统文化观念有着密切关系。两者都与传统文化观念有着紧密联系。山水画要求使自然山川和画家的意念合二为一，这是受到“天人合一”的哲学思想，儒家、道家思想的影响。而园林在山水、植物等自然景物之外，又引进了建筑、文学等各门艺术，把人工美和自然美巧妙地结合起来，它也是受到了天人合一的哲学思想，儒家、道家思想的影响，所以创造出了“崇尚自然而妙造自然”的自然山水式园林。

3.2 不同点：

园林

山水画

(1)完成作品所需客观条件

场地、花木、山石、物力、人力

纸张笔墨

(2)空间视觉艺术效果

立体

平面

(3)时间

四季变化

四季不变

(4)审美感知方式

视、听、嗅

视觉

通过上面的文字的论述我们更进一步了解了中国山水画与中国古典园林“崇尚自然，妙造自然”、 “外师造化，中得心源”异曲同工之妙。唐宋以来，不少达官贵人兼文入画家，将他们的生活思想及传统文学和绘画所描写的意境融贯于园林的布局与造景之中，于是， “诗情画意”逐渐成为唐宋以来中国园林设计的主导思想，到明、清两代，一些擅长山水画的文人画家成为著名的园林设计者，而一些著名的园林设计者，如明代著有我国占代影响最大的一部园林艺术著作《园冶》的计成，也都擅长山水画。在这种主导思想的影响下，经过长时间的实践，逐步形成了具有中国独特风格的，富有诗情画意的山水画式的中国占典园林艺术，并在世界园林史上占有重要的地位。

最后也不难得出结论，在历史的发展长河中，事物的发展总是相辅相成的，中国古典园林在很大程度上影响着中国山水画的发展，但是中国山水画的不断成熟，也很大程度上促进了中国古典园林的迅速发展，也正因为它们有着这样的关系，所以要探讨它们也不是一时一刻就能说的清楚的，而上面也仅仅是我个人的一些浅谈，由于资质的原因，不能很深刻的说明，不足之处还请见谅。

教育是科学还是艺术

这是日本著名的有着“怪婆婆”雅称的艺术家草间弥生的话。2012年7月10日，Louis Vuitton发布了与草间弥生合作的配饰系列，其中包括风衣、连衣裙、睡衣、鞋子、项链和腕表等单品，草间弥生标志性的波点印花更是满坑满谷，挑战人们的密集恐惧症心理底线。

她是日本最杰出的艺术家之一，并且患有严重的精神病，常年在精神疗养院进行治疗。这位和荒木经惟一起被评为日本坏品位的代表人物，用半个世纪的艺术创作来不断证明自己，并和安迪·沃霍尔、小野洋子等先锋艺术家见证了当代艺术史。

草间弥生的艺术创作源于她一次在餐厅时所产生的一个奇妙幻觉：桌布上的红色花纹开始向墙壁、地板和她身上蔓延，生长。随后这位生于1929年的艺术家开始利用各种方法记录这一幻象，包括雕塑、绘画、**制作、摄影以及写作。20世纪50年代，她给自己起了一个“无限网络”的名字，这个单色调网络由无穷无尽的极其细小的独特元素构成。上个世纪50年代，年轻的草间弥生去美国发展，成为纽约前卫艺术的先锋人物。在可以考究的影像中不难看出，彼时的她美丽丰满，表情丰富，作风极端，她做了很多在当时引起轰动的作品，其中有的画面是在大街上疯狂奔跑……

1973年她回到东京，目的是住精神疗养院。从那个时起她完全隔离于外面的世界，把自己内心的丰富和纠结通过大圆点这种极端的艺术形式表现出来。高色彩对比度的波点图案已经是她的标志，这一切都源自于她儿时罹患的神经性视听障碍。她眼中的世界隔着一层斑点状的网，却成为她艺术作品的直接来源。将鲜艳的波点图案覆盖在一切物品上，无穷无尽的圆点，令人混淆了真实与虚幻的空间，给人以晕眩和迷幻的错觉。

“在我年轻的时候，已经去过全世界各个地方和很多优秀的艺术家成为朋友，他们都非常的热情和努力。我一直对艺术把持着尊敬的心，努力探索人类的人类的未知能量以及人类尊严等命题。”为了进行艺术创作，草间弥生在精神疗养院附近买下了一栋楼，那是她人生中最重要的一笔花销，但是那至关重要。

现在的草间弥生已经83岁了，过着家和精神疗养院两点一线的生活，每天工作8小时。“我每天都在不停地工作，这让我工作得很累。一到外面就会觉得头晕，这让我更不愿意出去了。我把我所有的想象力都放在我的艺术里面了。”

从1990年开始，“怪婆婆”草间弥生加入了商业艺术的领域，她把触角伸向了时尚、家居、玩具、生活用品等等各个流行产品领域。她给兰蔻设计化妆包，给手机品牌设计的手机套至今还在热销，她甚至给奥迪汽车都贴上了圆点。

而Louis Vuitton和日本艺术家的合作也是由来已久。早在2003年，Louis Vuitton就与有日本安迪-沃荷(Andy Worhol)美誉的村上隆合作了Monogram Multicolore系列，他的“熊猫”、“樱花”图案登上了LV最经典的皮包上，曾一度掀起全球抢购热潮。

此次Louis Vuitton把视角对准了草间弥生，路易威登艺术总监Marc Jacobs是草间弥生众多粉丝中的一员，对草间弥生的态度可以用仰慕这两个字来形容。草间弥生也喜欢Marc Jacobs，她认为Marc Jacobs是一个极具艺术才能的杰出设计师。

本次所发布的产品表达的理念是执著与连续性，路易威登的经典皮具、成衣、鞋履、配饰、腕表以及珠宝，都化身为草间弥生有机重复图案的载体。产品采用充满活力的混合色彩，上面布满了无限延伸的圆点图案。尺寸、色彩以及密度的交相辉映充分展示了无限的可能性。随着草间弥生式圆点的活灵活现，图案泛起涟漪，把人带入一个频闪的美妙世界。

幻觉扩散让人感觉图案没有中心，没有起点也没有终点，那是一个无限的概念，不仅仅是身体上也有精神上。路易威登全球各地的专卖店都将以这些标志性图案进行装点，将这种幻觉扩散开来。特别设计的橱窗中生物形态的“神经”雕塑名为“宇宙之始”，花朵名为“我心中永不凋谢的花朵”，白色背景上的红色圆点图案被草间弥生称为“自我忘却”。

“我活着，我存在，请你们看着我！”她视自己的生命为“迷失在无数圆点之中的一个”，这次独特的合作将向世界极大地传播她的无限圆点图案，传达她“永恒的爱”的信息。

能够和路易威登合作我感到非常荣幸。路易威登的创意团队有很多想法，当然我也有！所以本次独特合作无疑会吸引世界各地的人们的兴趣。和Louis Vuitton合作所带来的激情无疑会使我的圆点图案得到极大的传播。

没有科学，教育不能成其真，没有艺术，教育不能成其美。有科学，才有教育的神圣和庄严，是艺术，才有教育的灵动和活泼。抛弃功利目的，年轻教育者首先要钻研教育科学，努力求真，达于娴熟，然后才能变化无端，臻于艺术之巅。但这并不意味着求真之时不能求美，求美之时无须再求真，实际上，真和美都是无止境的。年轻人的灵机一动，也许更能体现教育艺术的创新之美。 教育艺术要富有激情的活动，别让教室的四壁把儿童与斑斓绚丽的世界隔开。我们应当经常关心，别让儿童的思想从入学伊始就塞进教学黑板和识字课本的框框，别让教室的四壁把他与斑斓绚丽的世界隔开，因为大千世界的奥秘是思想和创造力取之不竭的源泉。 青少年课堂的激情活动，感情的积极流露，可以形成一定的观点和信念，也逐渐变成激励他们心灵达到从事道德高尚活动的积极力量。所以应引导孩子们进行积极活动。实践告诉我们，为了丰富学生的精神世界，所选择的方法应能引导他们进行积极活动，能在他们面前展现出战胜困难的吸引人的前景，能唤起他们的自豪感和自尊心。活动本身还应包括克服困难和障碍的可能性，但应适合学生的年龄。重要的是，从孩子们受教育的第一天起，就要用克服困难的社会意义和智力创造来吸引他们。要使艺术珍品成为少年们的精神需求，艺术对于塑造少年时期的人具有特殊的意义。我认为，要使艺术珍品成为少年们的精神需求，使他们努力用最感到幸福、最生气勃勃的心灵劳动――接触美的东西――来充实自己的空余时间。这是一项复杂而又细腻的教育任务。活动使少年的禀赋得以展现和发展。独特个性和饱满的精神生活及幸福的个人才能、意向与天才，只有通过活动才能被揭示出来并得到发展。正确地组织少年时期的教育，意味着努力使每个儿童恰恰是在同他的禀赋最相适应的活动中把自己展现出来。 教育是艺术，不外乎说，教育给人以美的愉悦，给人一种心灵契阔的神灵之会，真正达到这种境界，恐怕是可遇而不可求的。艺术作品具有强大的教育力量，这种教育力量表现在审美观、道德观和政治思想都艺术地融为一体。一个班主任，无论他教的是什么学科，都应当善于通过论述文艺作品的机智的、有趣的谈话，用艺术作品中反映的当代青年的理想来吸引自己的学生。 教师应引导孩子们进行积极活动，实践告诉我们，为了丰富学生的精神世界，所选择的方法应能引导他们进行积极活动，能在他们面前展现出战胜困难的吸引人的前景，能唤起他们的自豪感和自尊心。活动本身还应包括克服困难和障碍的可能性，但应适合学生的年龄。重要的是，从孩子们受教育的第一天起，就要用克服困难的社会意义和智力创造来吸引他们。活动使少年的禀赋得以展现和发展。如何才能使少年对积极活动的自然追求服从于道德的发展？这种积极活动应当包含什么？那些决定以后（青年和成年时期）人的独特个性和决定人的饱满的精神生活及幸福的个人才能、意向与天才，只有通过活动才能被揭示出来并得到发展。正确地组织少年时期的教育，意味着努力使每个儿童恰恰是在同他的禀赋最相适应的活动中把自己展现出来。 要力求使每个少年都有自己钟情的工作，我们力求使每个少年都有自己喜爱的、感兴趣的和使他们激动的工作；要他们把在这项工作中产生的感情转到学习中去，转到自己在集体中的道德态度上去。 要教孩子敢于去做聪慧的冒险，如果我的每个学生在童年时期不敢爬上树顶，不敢游泳过河，不敢深更半夜到森林中去找回需要的一根木棒或者在行军时某位同学丢了的指南针，不敢从屋顶上把过早爬出鸟窝的并卡在瓦缝中的雏鸟捉回来，不敢在暴风雪中护送很小的、无自卫能力的孩子回家，那我就把这种教育说成是温室里的培育。只有学生敢于去做那些事，才能教育出英勇果敢的学生。在那些勇敢行为中永远会有冒险，但是，没有聪慧的父亲般的冒险，谈及教育一般是不可能的。 教师要十分谨慎地掌握对良好行为的表扬，对良好行为的表扬，教师必须十分谨慎。无论在任何情况下，都不应在学生那里形成这样的看法：完成本当完成的一般良好的、正确的行为，是为了得到表扬。孩子们把自己的良好行为不应视作特别了不起的行为。“矬子里拔将军”式地去表扬某些学生或某些集体，是万万使不得的。向学生提出一条禁律的同时要提出十条鼓励。 一个人能理解“应当”、“不许”和“可以”这些道德准则的含义并能身体力行，这就说明他有了高度的道德修养。要使自己的学生提高到道德发展的这个高度，教师就应当懂得和实施教育上一条简单而明智的真理，这就是：你向自己的学生提出一条禁律，就应当同时提出十条鼓励――鼓励他们从事积极的活动。不要因为一个学生做了点好事就备受感动 我们成年人应当懂得，当儿童和少年对自己所为的意义还不甚了解，可又期望着迈出善心的每一步都能得到表扬的时候，他反而可能成长为一个斤斤计较和爱戴高帽子的伪君子。所以，不要因为一个学生为他人做了点好事就备受感动。对一个正在成长着的人说来，为他人做好事的最高奖赏应当是良心的召唤，是内心里的欢悦和满足。 教师要讲究教育的科学性，在教育学生和处理问题时，能实事求是，做到分析中肯，判断恰当，结论合理，对学生要求适当，说话有份量，使学生口服心服。无论表扬，还是批评，能估计情势，考虑学生年龄、经验、认识水平、以及学生性格、脾气等，并选择恰如其分最有效的方式方法。实践证明：对学生过分赞扬，会使他们骄傲自满；过度的批评，会使他们自卑失望；过分爱抚，会消磨他们的意志；过分严厉，会养成他们性格上的盲从或固执；过分迁就，会形成他们的松懈和放任；过分苛求，会因吹毛求疵而挫伤他们的积极性；过高要求，会使他们望而生畏；过低要求，会使他们失去教育意义……。因此，善于掌握教育分寸，是教育机智的一种重要标志。 总之，教师具有教育机智，掌握教育的艺术，是发挥其教育教学才能的最基本的途径。一个优秀的教师是教育的艺术家，他的成就，主要不是来自天赋，而是在实践中经过长期的勤奋磨炼的结果。 5、教学的科学性 教学的科学性是指教学内容的真理性和教学方法的正确性，它与教学的思想性是相互统一、相互联系、密不可分的。6、教学的艺术性 教学的艺术性一般是指教学手段的艺术性，即借助某些艺术的手法激发学生的形象思维，调动他们的想象能力，在他们的头脑中造成鲜明的形象，从而使他们了解事物的本质和规律以及事物之间的联系，提高他们的兴趣，鼓励他们发挥创造性 事实上，教学是科学还是艺术，要看从哪个角度来看教学这个系统，来看教学这个系统之中的各要素，不能一概而论。教学的科学性在教学活动中主要是回答对事物或现象的本质和规律的认识，属于关于教学中的‘真’的方面；而教学艺术在教学中要回答怎样教，如何学，属于关于教学中的‘美’的方面。教学的科学性反映着教学中的普遍的、必然的共性，而教学艺术则是具体的和明显因人而异的个性；教学艺术可以形成独特的艺术风格，而教学的科学性却不能用风格来标称。诚如朱德全教授所说的那样，各要素之间结构合理，组成一个良好系统，教师们不断地从这系统的角度和高度来认识问题和解决问题，那么定会有利于完成教书育人的工作，事半功倍地提高效益，在教学相长中师生双方都可获得精神满足和艺术享受。 另外，教学的双边都是活生生的、有血有肉、有思想有灵魂的人，在遵循教学规律的前提下，教师的教学也决不是千篇一律地遵循着什么既定的规则，他们都有各自的个性，并在教学中体现出来，在教学中也不可能以既定的方法行动，教学方法、技能是无法，至少是很难传递和复制的，而情感、兴趣、需要、价值等因素或过程，也完全是在科学把握之外的，这样就导致了教学的复杂性。从具体的教师行为看起来，经过科学总结的教学技能确实并不总有效，而且某一教师的有效技能难以用现有的科学方法明确说明，即使说明了也不大可能完全转化为另一教师的有效工具。但不管怎样，可供分享的有效教学技能毕竟越来越多，而且这些可供分享的教学技能也在总体水平上提高了教学质量。有没有意识到教学的一些特殊性质，或者说，现有的科学成果有没有完美地解决问题是一回事，而要不要科学的基础则是另一回事。“科学也好，艺术也好，都反映同一个现实世界，而所使用的手段却各不相同。科学用概念、规律和理论反映现实，而艺术则用形象反映现实。这两种反映手段能够互相补充，互相丰富，它们之间没有不可逾越的鸿沟。”从这儿也可见，教学不仅是一门科学，而且是一门艺术，我们所要做的是根据时代的发展，不断改变和充实其内涵，根据不同时期的发展，不同的对象，来完善其规律。 总之，教学是一门科学，也是一门艺术，更是一项复杂的系统工程。抬头看天，天还很高，低头看路，路还很长，我们作为一名教育工作者——人类灵魂的工程师，只有了解教育的规律，树立正确的教育观念，掌握坚实的教育理论知识和科学的教育方法，讲究教育的艺术性，不断地前行，不断地前行，才能做好教书育人的工作，才能完成好这项系统工程。 可见，教学的科学性与艺术性是相辅相承的，一个为教学铺好了路，另一个则为教学增添了无上光辉，他们构成了一个良好的系统。 另外，我们也知道，教学是丰富的，它的丰富性不仅表现在它是一门科学，更表现在它是一门艺术。作为科学，它要求教育者善于发现和利用教育教学规律；而作为一门艺术，它要求教育者要以人为本，善于春风化雨、润物无声地启迪学生的心灵，激发他们的创造力和探索兴趣，帮助学生通过学校生活构建起属于自己的完整的精神世界。 教学是科学还是艺术？2008-01-15 06:44 教学是科学还是艺术？一直众说纷纭，有的人说教学是科学，因为它要发现规律并遵循规律，实现最好的教的效果；有人说，教学是一门艺术，因为要有艺术的美感，教学要变成易于人们接受的形式，这样才能取得好的教学效果；有人说，教学既是科学也是艺术；还有人说，教学既不是科学也不是艺术。 最初把教学说成科学或艺术是西方人的创意，从此，教学是艺术还是科学遂成为一个让人们感兴趣的问题。当极端的争论势均力敌时，中庸之道显示了强大的威力，有人寻找到折中的道路，策略地认为教学既是科学也是艺术。但我认为，这样的认识并没有任何意义。 把教学是科学或是艺术，转化为教学要讲科学，讲艺术，或许更为恰当。既然有了关于教学的科学，我们的教学就不能仅凭本能，经验以及有限的常识，而应该遵循一些规律，如知识的组织规律，学习者的认知发展水平等等规律；既然教学不是刻板的循规蹈矩，更不是生搬硬套，也不是像比利时罗汶大学的雕塑所表达的意思一样是一种知识的灌输，那么一切的机制和灵性可以尽情地在教学中展演。人在愉快的氛围中享受知识大餐，享受学习的愉悦感。 教学要讲科学，教师就要学科学，教师要学的科学是教育的科学。教育的科学基于人的心理和社会的规则，为教师提出行动的原则或建议。这些建议，必然是善意的，更重要的是这些建议通常是理性的，它连接着教师的经验，又超越了教师的经验，是引领教师提升的精神性的箴言。教育的理性是指向未来的智慧之光，不是束缚教师的法规和教条。教育的智慧之光在与激励教师的精思和激情，照耀着教师从教学的奴隶成为教学的主人。当教师成为主人，教学的法则就成为他们的手中的鞭，成为他们驾驭教学的有力工具。这样，教师才有条件在教学中讲艺术。 执教学之法为鞭，然后讲艺术，讲艺术就成为教序的最高境界。教学的艺术不是教学技巧的组合，教学的技巧只是教师走向艺术境界的阶梯。弄巧者易拙。只有基于科学和技艺的教学艺术境界才能感染人，感动人，穿透人。 教学虽然不是科学，也不是艺术，但教学需要科学，也需要艺术。教学需要科学为自己服务，教学需要艺术作为自己的理想。教学有了科学的基础，就会逐渐成为专业化的劳动；教学有了艺术作理想，就会具有一种诗意的浪漫。科学求真，艺术求美，教育求善。求美因真而神圣，因美而灵异；教学会因科学而坚实和规范，会因艺术灵动并浪漫。规范和浪漫，坚实和灵动，可以说是教学永恒的原则。作为教师，要本着讲科学，讲艺术的态度对待教学。这样，教学之业顺矣。 然而，现实让我产生一种感觉，中国目前大多数教学既没有达到科学的水平，也不能谓之为艺术的行为，或许，这是应然状态和实然状态的差距。但，这种差距不能不被努力填平。 教学是科学还是艺术？ ■孙志胜 教学究竟是一门科学，还是一种艺术？这是一个事关教育根本目标和任务的大问题。弄清这个问题，对提高教学质量和效果有重要的现实意义。 教学的科学与艺术之争 就世界范围而言，从古代到欧洲的文艺复兴，在这样一个漫长的时间内，教学基本上被看作一种艺术。到17世纪，这种观念和认识，因其影响之大之广之深从而达到顶峰，标志这一顶峰的代表性人物和理论成果，是捷克的大教育家夸美纽斯和他的《大教学论》。他对教学本质的阐释是“把一切事物教给一切人类的全部艺术”。 此后几百年，这种观念发生了变化，代之以教学是一门科学的理论观点。并且，心理研究的深入发展和教育心理学研究的开展，为教学作为一门科学的研究提供了理论基础和科学依据。这样，教学的科学理论框架和体系逐渐成熟并建立起来，教学作为科学的观念逐渐为人接受，并越来越受到重视。相比之下，教学作为艺术的研究被冲击，被冷落。 到19世纪中叶，情况又出现了反复。正当教学的科学化研究大张旗鼓、大有进展、大有成就之时，德国的教育学家第斯多惠，这位被认为是继夸美纽斯之后西方最伟大的教学论专家，又重新举起教学艺术的旗帜，再一次阐述了关于教学的艺术性本质的深刻见解：“教学的艺术不在于传授的本领，而在于激励、唤醒、鼓舞。而没有兴奋的情绪怎么能激励，没有主动性怎么能唤醒沉睡的人，没有生气勃勃的精神，怎么能鼓舞人呢？”他在其代表作《德国教师培养指南》一书中，曾这样论述教学的本质，强调并坚持教学是艺术而不是科学的观点，并由此引发了一场关于教学的本质究竟是艺术还是科学的论争。 20世纪初，美国著名的现代教育学派代表、近代教育思想家杜威，对教育本质的阐释是“教育即生活”，但同时他还指出：“教学艺术，一大部分在于使新问题的困难程度，大到足以激发思想，小到加上新奇因素自然带来的疑难，足以使学生得到启发性的立足点，从此产生有助于解决问题的建议。”教育教学艺术是“一切人类艺术中最困难和最重要的一种艺术”。显然，他继承、发展了第斯多惠的理论。到了20世纪中叶，美国另一位教学研究专家海特的《教学艺术》专论于1951年问世，标志着教学艺术成为相对独立的研究领域，引起教学研究领域中众多研究人员的重视和关注，从此，教学艺术成为一门独立的学问。海特更加明确地回答，教学主要是人与人（指教师与学生，学生与学生）之间的一种互相交流和影响，而这种交流和影响，更多地依赖于情感、兴趣、需要和价值等因素，而这些因素是完全在科学把握之外的，如果只是运用科学来把握，就会使它们受到抑制而不能自由地自然而然地表现出来。这是当时美国科学热、实验热背景下发出的另外一种声音，因为其特立独行，因而也就格外引人注意、发人深思，于是吸引了许多教学研究的人员转而探讨教学的艺术性问题。 教学既是艺术又是科学 然而，在国内，关于教学的本质是艺术还是科学的问题，始终没有出现过讨论和争辩。一直以来，教学是一门科学，似乎是不言而喻、无可争议的定论；而教学的艺术性特质，只是随着改革开放和教育教学改革，对国外的有关研究成果才开始有了介绍、宣传和评述，并有部分学者、教育教学研究人员对此进行了一定的探讨。 一种现象不能不引起我们的注意。在教育领域，专门研究人员，还有我们的广大教师，对教学的艺术性研究不足、关注不够、认识不到位，倒是一些科学家，却深深感到科学与艺术是不可分割的，两者有着密切的关系，并由此反思我们的教育，对我们教育教学中科学与艺术、文和理相隔的状况以及艺术教育的缺位，表示了深深的不满和忧虑。 美籍华裔科学家、诺贝尔奖获得者李政道先生，从20世纪80年代开始，几乎每年两次回国，参加“科学与艺术”讨论会。他认为：“科学和艺术是不可分割的……它们共同的基础是人类的创造力，它们追求的目标都是真理的普遍性。”“它们的关系是智慧和情感的二元性密切关联。伟大艺术的美学鉴赏和伟大科学观念的理解，都需要智慧。但是，随后的感受升华又是和情感分不开的。没有情感的因素，我们的智慧能够开创新的道路吗？没有智慧，情感能够达到完美的成果吗？它们很可能是确实不可分的。如果是这样，艺术和科学事实上是一枚硬币的两面。它们源于人类活动最高尚的部分，都追求着深刻性、普遍性、永恒和富有意义。” 李政道先生的科学与艺术不可分之论，启发我们去思考教育教学问题，思考对教学的本质认识。如果，只是单方面地强调教学是科学或艺术，都是片面的、绝对的、不完全的。教学，其所传、所授、所解，是各种学科的知识，是人类智慧的结晶和经验的总结与提炼，要求准确无误、严谨细致，从这个角度讲，它是科学。同时，它的传授和解疑之术之方，要有情感和美感，要有感染力，要求生动形象、灵活而富有变化，从这个角度讲，它又是艺术。 教学之美与教师之美 我们尊崇那些教学经验丰富、教学成果优秀的名师。而这些名师，一个共同的特点是他们各自具有独特的教学风格和特色。这种风格和特色的形成，要求教学要有情感的投入，并以此感染、调动、激发学生的情绪，使课堂教学变成一种师生之间的情感交流，在心灵的接触和融通中完成教学任务。它要求教学要有形象性，要求教师在讲台上要有演员意识，它要求教学具有审美价值和意义，教师形象要美，授课语言要美，书写文字要美，教态要美，教学内容、教学过程的组织设计要美。教师的机智灵活、幽默风趣、人格境界，也都是一种美，能对学生产生特别的魅力。所以说，独特的教学风格和特色，就是一种教学艺术，而且是一种成熟的、富有创造性的艺术。 同时，这种教学风格和特色，又是一种教学实践经验的积累，是对教学实践经验的总结和升华，它的形成过程，是一个从实践到理论的过程，因此，它又是一种教学科学研究，是一门学问。 作为教学艺术，风格和特色本身是综合性的，对它的研究，也同样是综合性的。毫无疑问，教学风格和特色，首先需要深入细致研究本学科的知识和理论，并做到精熟通透、融合贯通，这是一种系统的、整体的、综合性的把握。同时，还需要博闻广识，了解和熟悉其他相关学科的知识和理论，比如，心理学的、语言学的、美学的，等等。在一个宽厚而扎实的科学知识结构的基础上，教学才会厚积薄发，得心应手，收放自如。这样，教学风格和特色才有知识之源、科学之壤，才会使教学艺术之花开得更加鲜艳，更有魅力。 （作者单位：山东省德州学院经济管理系）

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