10年前，那个不读大学，每天花12个小时玩刺绣的辽宁男孩，现状如何？

人若志趣不远，心不在焉，虽学无成。——张载中华文化上下五千年，不只是说说而已，在四五千年前，中国已经开始养蚕，使用蚕丝，是世界上最早的国家，中国的刺绣也已经几千年了，是中国技艺和文化的完美融合。苏绣、粤绣、蜀绣、湘绣成为中国四大名绣，每一种里面又分为很多不同的技法。

一直以来，家务活针线活缝缝补补的都是母亲在做，很少有父亲会针线活的，所以大家形成一种刻板的印象，觉得男人做针线活很丢人，其实技艺不分男女。十年前在辽宁街头，一个十七岁的小伙子跟母亲在马路上，看到一个老师傅在现场演示刺绣，一只活灵活现的小鸟在老师傅的手下渐渐显现出来，小伙一下就被吸引，看了很久都不愿意离开。老师傅还在现场直接让他上手试了一下，亲自体验，针线穿梭的感觉很神奇，他立刻沉浸其中，后来母亲硬拖着他才离开。

小伙叫王见雨，当时孩子读高中。平时在家里，他也经常看母亲绣一些东西，但是他从来不感兴趣，一直都觉得这是女孩子家干的事儿，可是见识了老师傅的高深记忆后，他越来越放不下，跟父母提出要学习刺绣。父母当然反对了，一是当时他正在上学，学业为重，还有就是不支持男孩子学习女孩子干的事。不过王见雨非常坚持，还去拜了老师傅为师，是位满族老师。为了展示自己的决心，他每天练习十二个小时，有时候累了直接躺下就睡，衣服都懒得换，手指头扎得全是伤，他也乐在其中。

越来越熟练以后，王见雨开始自己绣一些作品，小鸟啊金鱼啊还有莲花啊，家人看到他真的是肯学，真的喜欢，就开始支持他，他就干脆不上学了，一心扑在了学习刺绣上，后来还去江苏和四川特地拜师学习了苏绣和蜀绣，融会贯通。刺绣是门安静的手艺，而且可以静心凝神，王见雨也很喜欢这种慢慢完成一幅作品的过程。十年了，王见雨也长大了，他平常会教小朋友刺绣，自己还接受别人的订单，给别人绣一些作品，爱好变成了自己的工作，王见雨觉得自己先在非常幸福。

他甚至都已经做好了以此为业的准备，他自己也暗暗憋着一股劲，想要让其他人看看，零基础的他是不是也可以通过自己的努力做到对刺绣文化了如指掌。就这样，王见雨开启了一段崭新的、特别的人生。

可也正是因为如此，王见雨放弃了上大学的机会。大学作为每个学生学业生涯中最重要的阶段，数十年来，受到了来自学生本人、老师和家长们的重视。但是，他却果断放弃了。

这对他来说，未尝不是一种牺牲，但是他却并不在乎，也不后悔自己的选择。相反，他还很庆幸，终于可以专心学习刺绣文化了。

对他来说，一切都是崭新的，从未接触过的。他此前从未学习过刺绣文化，但是这点小困难并不能难倒他。长时间苦练刺绣的生涯，却让他对刺绣的热爱只增不减，从不消退。

他几乎每天都要练习刺绣数十个小时，毕竟自己本来就是“半路出家”，只有付出更多超乎常人可以想象的时间和精力，才能更好地掌握刺绣文化。

在别人眼中看似枯燥无味的学习生涯，对王见雨来说，却是甘之如饴、乐在其中的。虽然这过程很难，但是王见雨从来没有轻言放弃过。

不过才两年的时间，王见雨就已经几乎全部掌握了刺绣文化的基本功。他从一个连针都握不好的“糙汉子”变成了一个拿起针来行云流水的细腻的人。

除了继续学习刺绣文化，王见雨还很喜欢凭借自己对刺绣的理解创作一些作品。同时，他也把文化的传承真正做到了口耳相传。他前往学校给孩子们讲解刺绣的故事，还通过一系列现代科技手段、短视频等方式让更多的人注意到刺绣的发展和流传。

皇天不负有心人，王见雨真的通过自己的努力，让越来越多的人关注到了刺绣文化。而此时此刻的他，收获更多，他的刺绣技艺也是越来越娴熟，无论是生活中常见的静物，还是花鸟鱼虫等，在他灵巧的手下，都变得栩栩如生，完美灵动。

渐渐地，他的父母看到了他的努力和进步，对他的态度也开始转变，由最初的反对，一直到现在逐渐开始支持王见雨的事业。他们也真的开始把王见雨的选择当作是一种事业来看待，而不是所谓的不务正业，只是一直担忧儿子的情感问题。

只想一直与刺绣相守

自王见雨选择刺绣那一天算起，直到今天，整整十年的时间过去了。这十年的时间里，王见雨付出了很多无法言表的努力，也收获了来自他人的肯定。

如今，27岁的王见雨已经到了结婚成家的年纪，可他并没有这样的意思，他仍然想与刺绣相守下去。即便现在小有成就，他不仅没有放弃对刺绣的练习，甚至更延长了学习的时间。

经年累月的练习，让王见雨这一双手已经伤痕累累。但是对于他来说，这可能代表的不仅仅是伤痕，还可以算作是努力了这么久的小小勋章。

瓷器中什么叫做珐琅彩

清康熙时创始的彩绘瓷器品种。

康熙时期的珐琅彩瓷器因处于初创阶段，从色彩搭配、纹饰布局到款识内容和样式，均摹仿当时铜胎画珐琅的效果。

由景德镇御窑厂提供的白瓷仅在器物的里面和底足内部施釉，器物的外壁则涩胎无釉，这就是人们所俗称的“反瓷”。

外壁画面大多以黄、蓝、红、豆绿、绛紫等色彩作地，再利用各种颜色的彩料以双勾技法描绘缠枝牡丹、月季、莲花等花卉图案，且有花无鸟。

也有在四个花朵中分别填写“万”、“寿”、“长”、“春”等祝寿语的，风格严谨华丽。所用彩料系从西洋进口，所用画稿由宫中造办处下属的如意馆提供。

由于施彩较厚，致使纹样有堆凸之感，且出现细小裂纹。康熙时的珐琅彩瓷器也有个别直接在宫中旧藏明代永乐白瓷盘上施彩的。

扩展资料：

珐琅彩所需白瓷胎由景德镇御窑厂特制，解运至京后，在清宫造办处彩绘、彩烧。所需图式由造办处如意馆拟稿，经皇帝钦定，由宫廷画家依样画到瓷器上。

珐琅彩瓷的绘画是其精华所在。珐琅彩瓷的胎、彩和造型终究逃不过同时期其他彩瓷的影子，而绘画却有他独特一面。珐琅彩的绘画大多出自宫廷御用纸绢画的画稿。

珐琅彩绘的发展有各自的时代特点。珐琅彩瓷器的画工们迎合皇帝的好恶，在珐琅彩瓷器上以“院画”为底稿，开始“勾、画、皱、染”，这也是珐琅彩瓷器独有的。

所谓的带托爵杯上绘画同样用尽心思，爵杯外部与托盘通体以黄釉为地，爵杯内壁与托盘底部均为蓝地。爵杯与托盘的装饰风格相同，用轧道工艺饰底纹。

爵杯以粉彩黄弦纹或黄地蓝勾莲纹带为界将主体纹样分隔为几部分：杯身粉彩描金夔龙纹，足上部绘兽面纹，下部绘变体蝉纹。

盘中的山形支柱满绘青花海水江崖和寿桃纹，盘内底外缘和外壁绘夔龙纹，与爵杯纹饰相呼应。带托爵杯只是清代瓷器繁复堆砌、过分装饰的一个代表，但就艺术价值而言，远不如两宋瓷器化繁为简，持中守正。

百度百科-瓷胎画珐琅

人民网-“过犹不及”珐琅彩

珐琅彩瓷概述 珐琅彩瓷的正式名称应为“瓷胎画珐琅”。是国外传入的一种装饰技法，后人称“古月轩”，国外称“蔷薇彩”。是专为清代宫廷御用而特制的一种精细彩绘瓷器，部分产品也用于犒赏功臣。据清宫造办处的文献档案记载，其为康熙帝授意之下，由造办处珐琅作的匠师将铜胎画珐琅之技法成功地移植到瓷胎上而创制的新瓷器品种。珐琅彩盛于雍正、乾隆时，属宫廷垄断的工艺珍品。所需白瓷胎由景德镇御窑厂特制，解运至京后，在清宫造办处彩绘、彩烧。所需图式由造办处如意馆拟稿，经皇帝钦定，由宫廷画家依样画到瓷器上。珐琅彩瓷创烧于康熙晚期，雍正、乾隆时盛行。清代后期仍有少量烧制，但烧造场所已不在清宫中而移至景德镇。初期珐琅彩是在胎体未上釉处先作地色，后画花卉，有花无鸟是一特征。康熙朝珐琅彩瓷器多以蓝、黄、紫红、松石绿等色为地，以各色珐琅料描绘各种花卉纹，其色彩、绘画、款式皆同于当时的铜胎画珐琅器。 珐琅彩瓷的历史 相传历史上在我国江西瓷都附近，曾有一产胡姓人家，世代烧瓷为生。他家的瓷制品因 为精美得到了百姓的欢迎，也就惊动了官府。乾隆南巡肘他的臣子将胡姓制瓷献给皇上，得到皇上大大赞美。大臣想让胡姓人进宫专为皇上和皇宫制瓷。 因为种种原因姓胡的不愿意进宫，于是大臣们在宫里特设一个窑，按照胡姓人的烧制方法烧制出了精美的珐琅彩瓷器。为了表宫里与民间的不同，也为了显示这种瓷器的出处，有人就将甲胡”字拆开，将专为宫中烧的这种珐琅彩瓷器叫做 “古月轩”。 传说很有味道，但珐琅彩瓷器的出现是瓷器发展史上的一个必然产物珐琅彩瓷器的前就身是景泰蓝，也就是所谓的“画珐琅”。它兴起于明代，是在铜胎上以蓝为背景色，掐以 铜丝，再填上红、黄、蓝、绿、白等色釉烧制而成的工艺晶。清代康熙年间这种“画珐琅”的方法被用在瓷胎上，其吸取了铜胎画珐琅的技法，在瓷质的胎上，用各种珐琅彩料描绘而成的一种新的釉上彩瓷。雍容华贵的珐琅彩问世，虽与“康熙盛世”有关，但与雍正的关系更为重要。雍正登基后，对社会进行了一番改革，大大提高了景德镇制瓷艺人的社会地位。而且雍正酷爱精美绝伦的瓷器，经常对宫廷瓷器加以评价，亲自过问，并派得力的官员去管理瓷业生产。康熙、雍正年制作珐琅彩时，先在景德镇官窑中选出最好的原料烧制成素胎送至宫廷，由宫廷画师加彩后在宫中第二次入低温炉烘烤而成。 珐琅彩的彩料还有“洋为中用”的成分。五彩和粉彩中都不含的化学成份“硼”珐琅彩 中有：珐琅彩中含“砷”；康熙前的瓷器中**为氧化铁，而珐琅彩中**的成分是氧化锑； 珐琅彩还有用康熙前没见过的胶体金着色的金红。上述化学成分分析说明了珐琅彩是国外引 入的，文字上也有记载，宫中原名《瓷胎画珐琅》的档案于乾隆八年改名《瓷胎洋彩》由此可见珐琅彩确是欧洲进口，由此更可见康熙帝国时中外文化与贸易交往的盛况。 珐琅彩瓷器从创烧到衰落都只局限于宫廷之中供皇室使用，是“庶民弗得一窥”的御用品。 珐琅彩瓷的特点 珐琅彩瓷器没有大的器物造型，绝大多数是盘、碗、杯、瓶、盒、壶，其中碗、盘最多，只是每一品种都有不同的变化。另外还有一个品种是宜兴紫砂陶胎外绘珐琅料彩，这也是难得一见的。珐琅彩瓷器在胎质的制作方面是非常讲究的。胎壁极薄，均匀规整，结合紧密。在如此的胎质上又施釉极细，釉色极白，釉表光泽没有桔皮釉、浪荡釉，更没有棕眼的现象，确可用“白璧无瑕”来赞誉。 珐琅彩瓷的特点是瓷质细润，彩料凝重，色泽鲜艳靓丽，画工精致。制作珐琅彩瓷极度费工，乾隆以后就销声匿迹了。康熙的珐琅彩瓷大多作规矩写生的西番莲和缠枝牡丹，有花无鸟，显得单调。而雍正以花卉图案居多，山水、人物也有。当时尤为突出的是画面上配以相呼应的题诗。雍正时这些题诗的书法极佳，并于题诗的引首、句后配有朱文和白文的胭脂水或抹红印章，其印面文字又往往与画面及题诗内容相配合，如画竹的用“彬然”、“君子”章；画山水的用“山高”、“水长”章；画梅花的用“先春章等。珐琅彩瓷器可以说秉承了历史上中国陶瓷发展以来的各种优点，从拉胚、成型、画工、用料、施釉、色彩、烧制的技术上几乎是最精湛的。在乾隆时期出现了很多极其优秀的陶瓷作品，但珐琅彩在制作程序和用料上是其他众多品种无法比拟的。画工也不是一般的窑工，而是皇宫里面顶尖的专业画师，所以这些器物可以代表当时最高的艺术水平，最高的工艺水准。 珐琅彩瓷的绘画 珐琅彩瓷的绘画是其精华所在。珐琅彩瓷的胎、彩和造型终究逃不过同时期其他彩瓷的影子，而绘画却有他独特酌一面。珐琅彩的绘画大多出自宫廷御用纸绢画的画稿。据记载，从康熙到乾隆画供奉纸画的名画家众多，其中最为著名的有：王原祁、蒋廷锡、郎世宁（意大利西洋画家）、冷梅、唐岱、高其佩、袁江、董邦达、金廷标、李世倬、沈晖、袁瑛、王敬铭、钱维城等等。这些名画家的画稿被画工精心地描绘于珐琅彩瓷器上，形神兼备，各具不同的风采。 珐琅彩绘的发展有各自的时代特点。康熙时候的珐琅彩绘大都仿照铜胎画珐琅时的色彩图案。内容多为缠枝牡丹、缠枝西蕃莲、缠枝秋葵，也有写生花卉。构图上是讲究对称的规矩图案，花大叶大，内容简单，缺乏生气。这时彩色质地的衬托就显得非常有用，质地有红、黄、蓝、白等各种颜色，但所有色彩和绘画都在器物外面，内壁洁白。施色匀净是康熙珐琅彩的最大特点。 雍正初年时珐琅彩绘变化不大，构图仍是呆板的对称，但写生画开始多了起来，有了些活力，背景地仍是胭脂红、黄、蓝、白等色。到了雍正中期，“院画”的工笔画在整个社会流行开来，很得雍正皇帝的赏识。珐琅彩瓷器的画工们迎合皇帝的好恶，在珐琅彩瓷器上以 “院画”为底稿，开始“勾、画、皱、染”，这也是珐琅彩瓷器独有的。绘画题材多为寓意深刻的芙蓉鸳鸯、灵芝水仙、锦鸡牡丹、梅兰竹菊、翠竹麻雀、秋树八哥等，更有各种山水楼阁画面。因为雍正本人喜欢水墨及设色山水，所以这些画中就有用赫，墨、蓝单色或两种颜色画的，极为淡雅清丽。“团蝶图”则是集所有颜色于一身，据说有36种颜色之多。终究是纸绢画做底稿，这些画有直接在洁白如雪的瓷器上画的，有在设色上画的，但设计都很精巧。此时的器物身上仍多数是里不画，有少许里画的则外面就被敷上彩色。此时也偶见“锦灰堆”画法

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